CHEN CHIEN LI

(Peintre)

Editions OCTOBRE 2025

Chien-Li Chen Biographie de l'artiste Chien-Li Chen est une artiste plasticienne diplômée en 2006 de l'École Supérieure des Beaux-Arts de Toulouse, France, où elle a obtenu le Diplôme National d'Arts Plastiques (DNAP), option Communication, avec les félicitations du jury. Son travail se situe à la croisée de la peinture, de la géométrie et de la recherche sur les systèmes de signes et de perception. L'univers plastique de Chien-Li Chen se construit à partir de formes géométriques " triangles, trapèzes, structures abstraites " qui s'imbriquent dans une dynamique visuelle proche du kaléidoscope. Les couleurs y circulent entre transparence et saturation, créant des effets optiques de superposition, de profondeur et de mouvement. Comme l'écrit Michel Métayer（Ancien Directeur,l'École Supérieure des Beaux-Arts de Toulouse, France ）, ses œuvres plongent le regard dans un vertige de plans et de rythmes, où le désordre apparent laisse peu à peu émerger un ordre subtil et poétique. Dans ses séries récentes, l'artiste intègre un vocabulaire typographique inspiré de la logique mathématique : signes d'égalité (=), d'inégalité (≠), chevrons (< >) ou autres notations, se fondent dans les silhouettes et les ombres pour interroger le lien entre langage et image. Chaque tableau devient un espace de questionnement où coexistent intuition sensible et rationalité formelle. L'œuvre de Chien-Li Chen évolue ainsi entre clarté et obscurité, entre forme définie et effacement, dans un jeu d'apparitions et de disparitions renouvelées. Son art ne cherche pas à figer, mais à ouvrir : un monde de possibles, où la couleur, la lumière et le signe se rencontrent dans une tension féconde.

Le Prisme de la Mémoire
2025
100 X 100 cm
Technique : Acrylique sur toile
20000 €

« Le Prisme de la Mémoire » Le Prisme de la Mémoire est une œuvre abstraite empreinte de tension émotionnelle et de richesse visuelle. À travers la superposition de formes géométriques translucides et de couleurs diffuses, elle évoque la manière dont la lumière se diffracte en traversant un prisme. Le tableau ne possède ni centre défini ni sujet précis, mais une forme d'ordre organique émerge du chaos apparent, comme si l'artiste avait figé l'instant où les souvenirs se recomposent dans l'esprit. Ici, la couleur devient langage émotionnel. Les roses doux, les violets profonds, les bleus froids et les verts sombres se rencontrent et se fondent, tels les strates de la mémoire : certaines nettes, d'autres floues, certaines lumineuses, d'autres plus tamisées. Chacune évoque un fragment du passé, une émotion enfouie, un moment qui persiste. Les formes géométriques et leur transparence traduisent la complexité intrinsèque de la mémoire " jamais figée, jamais linéaire. Les souvenirs se chevauchent, se distordent, se réinventent avec le temps. Cette œuvre donne à voir ce phénomène psychique : instable, insaisissable, mais porteur de sens. Le spectateur est invité à projeter sa propre expérience sur la toile, à reconnaître dans un coin de couleur une résonance intime, une sensation familière. Le Prisme de la Mémoire ne cherche pas à raconter une histoire précise. Il crée un espace d'introspection, une pause visuelle où chacun peut explorer les fragments oubliés ou réprimés de son passé. Ce n'est pas un miroir, mais un prisme : à travers lui, ce que l'on voit, ce ne sont pas seulement des formes ou des teintes, mais les instants de notre vie intérieure que la lumière rend soudain visibles.

Sérénité Fragmentée
2025
100 X 100 cm
Technique : Acrylique sur toile
20000 €

« Sérénité Fragmentée » " Interprétation artistique « Sérénité Fragmentée » est une œuvre abstraite dominée par des tons froids. La composition est construite à travers une superposition de formes géométriques translucides, qui se croisent, se chevauchent et se dissolvent lentement. Vue de loin, la toile dégage une harmonie douce et silencieuse, évoquant une mer profonde noyée dans le brouillard ou un ciel au crépuscule. Mais à mesure que l'on s'en approche, une tension subtile se révèle : cette sérénité apparente semble se fissurer, s'éroder lentement, comme si le calme dissimulait une rupture imminente. Il ne s'agit pas ici d'une destruction brutale, mais d'une dislocation lente, presque imperceptible. Chaque zone de couleur semble flotter, glisser, changer imperceptiblement, comme si la lumière elle-même était brisée à travers une pensée mouvante. Cette sensation de fragmentation intérieure renvoie à l'ambivalence émotionnelle contemporaine : maintenir une façade de calme tout en ressentant une instabilité croissante en soi. « Sérénité Fragmentée » est autant une exploration visuelle qu'une introspection psychologique. L'œuvre ne raconte pas une histoire précise, mais ouvre un espace de projection personnelle. Chaque spectateur est invité à y inscrire ses propres émotions, à percevoir dans les failles du tableau des résonances intimes : un rêve effacé, une mémoire troublée, un instant de bascule. Elle capture l'essence d'un état intermédiaire " entre l'équilibre et la rupture, entre la clarté et le flou " et rend visible cette tension silencieuse qui accompagne les transformations intérieures.

Le Royaume de la Réfraction
2025
100 X 100 cm
Technique : Acrylique sur toile
20000 €

« Le Royaume de la Réfraction »｜Interprétation artistique Dans cette œuvre intitulée Le Royaume de la Réfraction, l'artiste construit un espace visuel onirique à l'aide de fragments géométriques complexes. Des formes triangulaires et polygonales, à la fois translucides et opaques, s'entrecroisent, se superposent et se traversent, évoquant un monde fragmenté par la lumière diffractée à travers une multitude de prismes. Ces formes ne se contentent pas de créer une profondeur spatiale, elles suggèrent aussi la superposition du temps, de la mémoire et des émotions. La palette chromatique est l'âme de cette composition. Des bleus grisâtres profonds aux nuances douces de rose mauve et de brun doré, les couleurs instaurent une tension entre froideur et chaleur. Ce contraste suscite une perception ambivalente : celle d'une traversée à la fois rationnelle et émotive, entre la réalité et le rêve. Il en ressort une sensation proche de la complexité de la vie elle-même " un mélange d'intellect et de sentiments, de réel et d'imaginaire. Le Royaume de la Réfraction n'est pas seulement une composition visuelle, c'est aussi une projection de l'émotion intérieure. Chaque fragment irrégulier devient le reflet d'un souvenir brisé, d'une pensée inachevée, ou d'un frémissement émotionnel. Il ne s'agit pas d'organiser ces morceaux, mais de les accueillir tels qu'ils sont " comme notre monde intérieur, souvent chaotique et indompté. L'artiste choisit le langage de l'abstraction pour évoquer la vérité de l'être humain et permettre au spectateur d'y projeter sa propre résonance émotionnelle. Cette œuvre nous invite à regarder, non pour reconnaître des formes concrètes, mais pour ressentir les courants émotionnels invisibles qui s'en dégagent. Elle devient une réfraction de l'univers intérieur, une projection visuelle de ce que l'on ne peut dire avec des mots. Le Royaume de la Réfraction est, au fond, un dialogue silencieux avec soi-même " un voyage vers la fragmentation, la reconstruction et la compréhension de notre être.

Au-delà des glyphes-Belle vie
2025
11.3 X 8.9 cm
Technique : Impression sur support jetable (gobelet en papier)
1 €

Au-delà des glyphes : un exercice de pensée sur un objet quotidien Analyse de l'œuvre Belle vie Dans un recoin du quotidien un simple gobelet en papier nous découvrons une expérimentation visuelle et intellectuelle. L'œuvre Belle vie ne fait pas usage de peinture ni d'images traditionnelles, mais choisit plutôt les symboles du langage logique : « > », « < », « = », « ≠ ». Ces signes issus du monde du calcul deviennent les unités minimales d'une image floue mais évocatrice un visage animal, peut-être un chat, peut-être un lion. Cette ambiguïté même devient une invitation à voir autrement. Du sens à la perception : la variation d'un langage Le cœur de cette œuvre réside dans la déconstruction et la reconfiguration du langage symbolique. Les signes, traditionnellement porteurs de fonctions logiques ou mathématiques, sont ici extraits de leur signification première pour devenir une matière visuelle. Le « ≠ » cesse d'indiquer l'inégalité pour devenir une tension dans l'image une sorte de perturbation ou d'ouverture tandis que le « = » suggère un équilibre temporaire, une pause dans le flux visuel. Ce passage du sens à la perception nous oblige à changer notre façon de regarder. Il ne s'agit plus de reconnaître une image, mais de déchiffrer un processus. Nous ne voyons pas un animal, mais une configuration de différences et de correspondances. L'image n'est plus une représentation, mais une opération de pensée. La philosophie du gobelet : transformation du support et subversion du quotidien Le choix du support un gobelet en papier blanc est à la fois sobre et pertinent. Objet jetable, utilitaire, éphémère, le gobelet devient ici le réceptacle d'une expérience conceptuelle. Il entre en résonance avec le caractère modulaire et reconfigurable des symboles : tout comme eux, il peut changer de fonction, de statut, de signification. Ainsi, l'œuvre devient aussi un geste de pensée dans le quotidien. Elle nous rappelle que la réflexion n'a pas besoin d'un cadre institutionnel elle peut naître au revers d'un objet banal, à condition de savoir le regarder autrement. Belle vie ? Ou vie inégale ? Le titre Belle vie évoque une promesse, un espoir, une forme d'émerveillement. Mais ce titre se voit subtilement mis en tension par la prolifération des signes d'inégalité (≠), de comparaison (><), de déséquilibre. L'œuvre semble suggérer que la beauté ne réside pas dans la symétrie ou l'uniformité, mais dans la différence, le désaccord, l'instabilité. Une vie « belle » est peut-être, en réalité, une vie de distinctions, d'ajustements et d'incertitudes. Conclusion : Regarder et penser dans les interstices du langage Belle vie n'est pas une œuvre explicite. Elle ne raconte pas, elle ne démontre pas. Elle crée un espace fragile, temporaire pour regarder et penser. Dans cet espace, le langage devient image, et l'objet du quotidien devient objet de pensée. Par ces symboles simples, l'œuvre nous invite à reconsidérer nos rapports à l'ordre, à la différence, à la lecture et à la compréhension. Elle s'inscrit ainsi dans une réflexion plus large sur le point, la ligne et la surface : chaque symbole est un point ; l'enchaînement de symboles forme une ligne ; les lignes croisées deviennent une surface et cette surface est peut-être le véritable commencement de toute pensée.